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martes, 30 de abril de 2013

La Distorsión y la Guitarra

Bueno este post trata un  tema parecido al que traté en "La guitarra Solista", pero vamos a tratarlo más en profundidad.

En la producción del sonido distorsionado de la guitarra influyen varios aspectos. Por una parte tenemos la transformación del sonido que se produce electrónicamente para sacar ese sonido, es decir sin necesidad de una gran cantidad de volumen,  se puede obtener ese sonido que puedes estar escuchando en un ampli pequeño , en la habitación de tu casa o puedes oír con cascos o incluso grabarlo directamente. Este sonido será distorsionado y dependiendo si el sistema tiene emulación de amplificador o emulación de pantalla producirá un sonido que parecerá al producido por un ampli más grande pero con menos volumen (en definitiva menos movimiento de aire).



Cuando la distorsión se produce con un ampli que utiliza el canal de saturación controlamos la distorsión con el potenciómetro de Gain (a mayor nº más saturación) y el volumen con el Master.
De esta manera obtenemos ese sonido distorsionado a un mínimo de volumen que dependerá de la potencia del ampli.

Todos los amplificadores tienen una peculiaridad y es que hay un punto en el que cuando vas subiendo el volumen poco a poco, te das cuenta que se oye muy poquito y de repente se oye mucho más y es cuando le llega la suficiente corriente al altavoz para moverse. Es decir un altavoz necesita un mínimo de potencia (o energía) para que se mueva y sea capaz de reproducir el instrumento de una manera real y con calidad. Debajo de ese punto suena pero no suena la ecualización de manera correcta. Los amplis de verdad mueven mucho aire, pero de verdad, si estas tocando la guitarra con la pierna al lado del altavoz, notarás cuando das un acorde seco la vibración, y si tocas lo suficientemente alto incluso verás como se mueve el pantalón por el aire que mueve.

Esto es por lo que, dependiendo del lugar o sitio en el que se va a tocar, los músicos llevan amplis más grandes o potentes (si es un escenario grande) o pequeños si es una pequeña sala o club (ya que uno grande al no poder sonar bien a bajo volumen, se comería al resto de los instrumentos).

Los amplis de guitarra, por la gama de frecuencias del instrumento, son muy lineales, es decir, si tenemos un ampli con un solo altavoz (como el de la foto), solo nos oiremos cuando estemos delante y a unos 3 ó 4 metros de distancia como máximo. Esto es por lo que los grandes artistas del Rock y el Metal llevan cantidad de pantallas y amplis formando lo que se conoce como Wall Of Sound (Muro De Sonido).


De esta manera cubren directamente toda la superficie del escenario siendo capaz de oírse las guitarras sin la amplificación exterior.

Existe otro tipo de distorsión (que fue el primero que se descubrió y utilizó), que es la distorsión que produce el altavoz. Esta distorsión es la que produce el altavoz cuando se lleva casi al extremo de la ruptura.

Decían Barón Rojo que cuando estuvieron en Londres grabando el disco Volumen Brutal , les hicieron tocar a más volumen que en ningún estudio de los que habían estado nunca, decían que era como cuando tocaban en directo en un escenario grande.

De esta manera sumando la saturación del ampli (las válvulas), más la distorsión del altavoz, más algún pedal de efecto que se ponga antes del ampli (Overdrive, Distorsión, o Fuzz) se obtiene esos sonidos demoledores  que oímos en los discos.



Como dato curioso y anecdótico decir que Frank Zappa para sacar esos sonidos super distorsionados que sacaba, utilizaba un amplificador muy pequeño de un solo altavoz, que lo ponía a reventar, y con uno grande era imposible sacarlo. Asi como el gran Dimebag Darrell  guitarra de Pantera, solía llevar el doble de amplis que los demás, porque si subía más el volumen se cambiaba el timbre del sonido, y se perdía su peculiar sonido.

martes, 23 de abril de 2013

La Ecualización


"Existe una regla de oro que dice : Vale más quitar que poner"

Esto quiere decir que a la hora de ecualizar, es siempre más conveniente quitar, que poner; es decir reducir la ganacia de algunas frecuencias en vez de aumentar otras.
La ecualización es una navaja suiza en la música, dependiendo del aparato que se use y como se use puedes arreglar ligeros desajustes en la ecualización de un instrumento, puedes quitar toda una zona de frecuencias, o la puedes utilizar de manera creativa para crear un sonido completamente nuevo.
Cuando reduces una frecuencia no añades ruido, coloración o otra serie de artefactos acústicos que modifican el timbre del sonido, cuando se aplica de manera sutil sirve para equilibrar y ajustar pequeñas diferencias entre las frecuencias de un mismo instrumento.
Cuando aumentas una frecuencia, en un instrumento como la guitarra puedes conseguir que se realze una determinada tonalidad Mim o ReM ya que si la frecuencia que aumentas está en la fundamental de esa nota o tonalidad   (El La natural es 440 hz , por lo que 1 octava más sería 880 hz, si subimos mucho esa frecuencia la tonalidad de la y sus armónicos se oirán con más intensidad).
Aparte se puede producir efectos desagradables, sobre todo al subir frecuencias  de agudos, que pueden provocar que se oigan ruidos, soplidos, zumbidos y siseos que antes no se oían.

A la hora de mezclar la ecualización se convierte en una faceta crucial importantísima siendo un arte que requiere años de práctica y de educación auditiva.
Tomemos por ejemplo el Bajo, si tu estás tocando o estudiando solo sin otros instrumentos te puede interesar tocar con una ecualización amplia para poder escuchar las frecuencias altas, el brillo de las cuerdas metálicas y el sonido de los trastes, puede ser interesante con fines educativos para ir perfeccionando tu técnica y destreza para aprender a tocar más limpio cada vez. Pero si os fijaís en los discos grabados (sobre todo en Jazz, Pop, y Blues) se suele recortar desde los medios hasta las altas frecuencias, para que estas frecuencias del bajo no interfieran con los otros instrumentos o incluso con la voz.
Del mismo modo a las guitarras se les recorta los graves para que no estén luchando con el bajo y el bombo y se le recorta los agudos para que los platos, caja y voces estén más libres.

En las buenas mezclas profesionales que estamos acostumbrados, si nos paramos a oir decimos "Es increible se escucha todo claramente, el bajo, el bombo, las guitarras, las voces etc"
El primer paso para esto es grabar cada instrumento de manera que su sonido no esté en constante lucha con otro que se mueve en la misma franja de frecuencias, si hacemos esto sólo conseguiremos que el oyente se canse y pierda el interés por la canción.

Cuando metes varias guitarras a la vez haciendo diferentes cosas, es necesario que el sonido sea un poco diferente (poniendo las ritmicas más oscuras que las que hacen melodía), o incluso completamente diferente (electricas con acusticas), para que cada trabajo tenga su propia linea de atencion y no interfiera con la otra.

Con una mezcla bien ajustada de ecualización resulta más facil el obtener un producto que suene y se oiga bien en muchos sitios.

Hay varios tipos de ecualizadores, estan los gráficos que son los que tienen una serie de cortes con una frecuencia fija cada uno, pueden ser de 7, 10, 12,15 y hasta de 31 cortes (que se les conoce como de tercio de octava), estos ultimos son los que se emplean exsaustivamente en el mundo profesional (estudios, sonorización, cines, conciertos, etc.). Son como un bisturí a la hora de quitar un ruido o una
frecuencia que molesta.

Luego hay otro tipo que son los paramétricos, que son otros con menos cortes pero que puedes seleccionar  la frecuencia, el ancho de banda (a cuantas frecuencias afecta) y la ganancia o atenuacion que produce. Se utilizan mucho en estudios de grabación y de mastering, así como por artistas que tienen un sonido peculiar que no consigues sacar (Mike Oldfield, Allan Holdsworth, Pat Metheny o David Gilmour)



Por cierto, un consejo si vuestras guitarras cañeras suenan demasiado "metálicas" con mucho siseo y rozes metálicos de las cuerdas, y notáis que se comen toda la parte de agudos de los demas instrumentos, probad a reducir en la banda entre 2 Khz y 4'4 Khz,  ajustando con un parametrico quitareis la molestia metálica y ganereis en cuerpo y en claridad el resto del grupo.

Probad, practicad y experimentar.

domingo, 21 de abril de 2013

La guitarra solista

Al principio cuando solo había instrumentos acústicos, en la música clásica se componía teniendo en cuenta dónde se iba a interpretar una determinada composición; por eso las composiciones de Bach para órgano las compuso en una determinada iglesia que producía una reverberación característica. La música de cámara era para tocarse en un salón y las sinfonías y operas en salas de concierto y teatros con una mayor cantidad de metros cúbicos de aire. Todas estas salas, las de cámara y las de conciertos estaban y están acústicamente optimizadas para que el sonido valla rebotando por las paredes y se vaya amplificando de manera natural como en las cajas de resonancia de los instrumentos acústicos.
En la composición se tenía en cuenta las posibilidades de cada instrumento, de manera que cuando uno en concreto tenía que destacar, los demás tenían que tocar más suave o incluso guardar silencio.

En la música moderna al principio la guitarra fue un instrumento de acompañamiento y no fue hasta que se amplificó cuando comenzó a tomar protagonismo. Al principio no se intentaba crear un nuevo sonido, sino que se intentó amplificar un instrumento acústico con algún sistema de captación, es decir eran guitarras huecas con caja de resonancia.



 
Se buscaba el conseguir amplificar el sonido de manera limpia y sin transformar, lo que se quería era que se pudiese escuchar a la vez que una orquesta, como una Big Band en el jazz de la época de Glenn Miller o el gran Django Reinhardt (en la foto).

En el blues también se comenzó a utilizar en vez de las guitarras acústicas.

Dicen que la evolución de la música moderna ha ido directamente relacionada con la capacidad económica de la comunidad afro americana, cuando los negros eran esclavos no tenían dinero y desarrollaron sus cánticos tradicionales y espirituales (Gospell), cuando fuero libres y pudieron ganar algo de dinero, incorporaron la guitarra acústica y la harmónica (Blues),cuando ya trabajaban en fábricas empezaron con guitarras eléctricas, y todo lo demás, con lo que vino el Rhitm & Blues , el Rock & Roll y demás.

Al evolucionar la fabricación del instrumento se dotó de 2 pastillas y mas circuitos (volumen y tono), con lo que ya se podía empezar a  realizar variaciones con el sonido habiendo nacido la guitarra eléctrica con un sonido muy diferente al de la acústica.




Cuando se inventaron las guitarras macizas como la Fender Stratocaster o la Gibson Les Paul fue el boom por primera vez la guitarra tenía un sonido potente y fue el gran innovador Jimi Hendrix el que puso la guitarra en el lugar que está ahora, el centro de atención de todos , llevaba el peso del ritmo, la melodía y la parte solista, ahora con los amplificadores potentes puestos en serie era capaz de ser el centro de atención del público.



Al principio se utilizó la propia saturación de los amplificadores para crear ese sonido clásico del rock de los 60 y los 70, pero en seguida se quiso más, y fue el propio Hendrix quien experimentó con pedales como el Octavia, el Cry Baby, el Overdrive, Distrosion y tantos y tantos otros. En los 70 se puso también de moda el utilizar un grabador de cinta para producir eco, produciéndose lo que se conoce como Tape Delay (tan utilizado en directo por Richie Balckmore).
A finales de los 70 querían más caña con lo que empezaron a experimentar y desarrollaron la manera actual de sacar el sonido de la guitarra, es decir poniendo dos distorsiones diferentes y combinándolas para sacar un sonido mucho más potente con mucho sustain y un gran impacto. Se mezclaba el overdrive , fuzz o distorsión con la saturación a válvulas que producía el ampli con lo que salieron los sonidos del Rock Duro y el comienzo del Heavy Metal con grupos como Judas Priest y Black Sabbath.
Hoy en día al hacer la misma combinación con los amplis super cañeros actuales se producen los sonidos demoledores del heavy y el trash metal actual.

En la combinación de los elementos está el sonido característico de cada artista.

Disfrutad y practicad lo que podáis.

martes, 9 de abril de 2013

La cadena del Audio



"Una cadena es tan fuerte como el eslabón más débil de la cadena"

Esto es una verdad incuestionable, siempre se va a romper por el punto más débil. En el audio también pasa lo mismo. En la guitarra eléctrica hay muchas variables y todas tienen importancia para obtener ese sonido estupendo que llevas en la cabeza. En muchos casos te pegas un montón de años para conseguirlo o incluso nunca llegas a sacar ese sonido que has escuchado en un disco.

Cuando tienes tu primera guitarra eléctrica te das cuenta que necesitas más equipo para sacarle partido, en principio vas a necesitar un amplificador y un cable, y por supuesto ya necesitas también una fuente de corriente. Con la acústica podías tocar en cualquier sitio sin corriente (en un parque, en la calle, en la montaña, etc.) pero ahora la cosa es diferente.

Con la eléctrica te das cuenta de que las pastillas (los micrófonos que captan la vibración de las cuerdas) tienen una gran importancia. Si son de simple bobinado producen un sonido con menos cuerpo y más brillante, y si son de doble bobinado el sonido es más grueso y contundente y con un poco menos de brillantez. Esto es la idea general pero luego cada marca tiene muchos modelos de ambas características y cada uno suena diferente.

Pastilla guitarra single coilSEYMOUR DUNCAN PATB1 B PASTILLA PUENTE GUITARRA. OUTLET
Luego influye en la guitarra en la que se pone, porque si la pones en una guitarra con cuerpo de madera maciza tiene una sonoridad más grabe (de hay el prestigio y la fama de marcas como Gibson y Paul Reed Smith) que si la pones en una con el cuerpo de contrachapado, que tendrá un sonido con menos cuerpo. Si la guitarra tiene un puente fijo también se produce una diferencia, y es que con el fijo tiene más sustain (la duración de la nota una vez pulsada) y también tiene más feeling, ya que cualquier mínima oscilación que produzcamos con el dedo se verá reflejada en el sonido que se oiga, (de ahí que casi todos los guitarristas de blues y jazz utilicen puentes fijos).

A la hora de tocar los que solemos tocar con púa hay que decir que ésta también influye mucho en el sonido que produce. Si quieres tocar Heavy o Rock vas a necesitar una púa dura, ya que produce un sonido más contundente y cañero. Si por el contrario quieres hacer algo más suave puedes necesitar una media o suave que te dará un sonido más brillante y más ligero. Con la acústica (al tener las cuerdas tan gordas) puedes necesitar una suave o blanda para los acordes y una media para punteo.

El amplificador es un mundo, dependiendo del modelo, el tamaño  y la potencia, nos dará un sonido y un resultado que nos valdrá para un estilo o para otro. Lo único que parece una constante en los amplis de guitarra es el altavoz de 12" (pulgadas), este es el tamaño de altavoz estándar en el 95% de los amplis con calidad profesional; variará la configuración, 1,2 ó 4, con la parte trasera abierta o cerrada pero siempre de 12".

Fender Mustang III V.2Engl E212VH Pro BKEngl 412 XXL-BK

Respecto a la manera en la que se produce el sonido (electrónicamente) hay dos tipos principalmente, a transistores o a válvulas. Algunos combinan ambas tecnologías válvulas para el sonido y transistores para amplificar. En la industria profesional la tendencia son los modelos sólo de válvulas que son los que producen el sonido más cálido, rico en armónicos y el timbre que estamos acostumbrados en los discos.

Hoy en día con el avance de la tecnología han salido unos modelos que emulan a otros ampis con el mismo aparato, pero esto lo trataremos en otro post con los efectos.

Bueno esto ha sido resumido lo básico de la guitarra y el ampli, el grabarlo y la distorsión con la innumerable cantidad de efectos que se pueden aplicar será tema de otros post.

Disfrutad de la música y practicad vuestro instrumento lo que podáis.

sábado, 6 de abril de 2013

La música y el subconsciente.


De todos es sabido que desde que nacemos empezamos a aprender y absorber conocimientos y datos como si fuesemos una esponja. de hay la frase "No te acostarás sin aprender una cosa más". Conforme vamos creciendo y madurando vamos desarrollando la capacidad de seleccionar y controlar lo que guardamos y lo que pensamos, pero sólo en cierta medida, ya que hay una parte que no controlamos voluntariamente, el subconsciente. Este sigue absorbiendo a su marcha y lo que quiere sin que lo podamos controlar, de hay vienen la mayoria de los sueños que tenemos, cosas que hemos visto a lo largo del día, lugares que hemos estado, cosas que hemos hecho, problemas que llevas en la cabeza que te preocupan, cosas que quieres o que tienes que hacer y no digamos ya cuando te pasa alguna desgracia, que es que ya no te lo puedes quitar de la cabeza.

Cuando realizas una actividad que te satisface, y lo haces a menudo, enseguida empiezas a soñar con situaciones relacionadas con ella. Te gusta ir en moto y sueñas con motos; te gusta pintar y sueñas con cuadros; te gusta tocar un instrumento y te ves tocando en directo con tu grupo o artista favorito.
Todo esto es porque esa información está en el subconsciente. Son nuestros sueños pero a la vez son nuestras ilusiones y la chipa que hace que nuestro motor siga funcionando.

 
Esto es un "mensaje" que aparecía en los primeros discos de Steve Vai (comida para el pensamiento).
Es una frase muy interesante y cierta, porque quiere decir que lo que escuchamos, sin que nos demos cuenta va a la mente y al subconsciente, y por lo tanto nos va moldeando como músicos en una dirección o en otra.
Cuando estás aprendiendo a tocar un instrumento desde cero eres como un bebé que al nacer va aprendiendo de manera natural y sin esfuerzo un lenguage. El músico va escuchando y sin saber empieza a asimilar conceptos y detalles de la música que luego forma su gusto y cuando domine su instrumento conformará su estilo. Al principio no entiendes lo que oyes, porque te faltan los conocimentos de teoría pero sin darte cuenta te vas creando tu criterio y sabes como debe sonar una guitarra o una batería, intuyes cuando se avecina un cambio en la canción, empiezas a comprender las estructuras etc., cuando un grupo que no conoces entra dentro de las ideas que vas adquiriendo te gusta porque lo comprendes y aprecias su trabajo.
Cuando tocas un instrumento y tienes un estilo definido (Rock, Blues, Metal , etc.) sueles escuchar los grupos y artistas representativos de tu género y eso hace que cada vez encajes mejor en ese estilo, poco a poco le vas pillando el tranquillo al sonido, al tipo de ritmo, a los arreglos, los cortes, las cadencias, las harmonías y demás cosas que hacen que los demás te empiezen a comparar y ver como algo serio.

Cuando ya tienes un nivel con el que te sientes a gusto, es cuando realmente empieza tu faceta creativa a desarrollarse. Ahora te preocupa más lo que compones que lo rápido que haces un ejercicio o una determinada parte. En este punto en el que ya te has desarrollado tus propias rutinas de ejercicios para mantener tu nivel, te das cuenta de que las mejores ideas, las más auténticas son aquellas que surjen de la improvisación, cuando estás disfrutando tocando por tocar.
Es aquí donde entra en juego el subconsciente, lo que le hayamos dado de comer o para cocinar, determinará el plato que nos de. Si te pegas más de una semana escuchando un estilo en concreto (por ejemplo Blues), verás que cuando improvises tendras una tendencia a incluir algo de blues (en el ritmo, la melodia, la linea de solos, etc.) , si escuchas mucho Jazz , tus solos , ritmos y cortes tenderán a ser más complejos y con armonías más ricas y extrañas.

En definitiva lo que escuchamos va a nuestro subconsciente y eso influye en nuestra faceta creativa; por eso si quieres sonar bien en un estilo escucha todo lo que puedas a los grandes de ese estilo.
Si quieres ser más creativo e innovador y hacer tu propio estilo. ESTUPENDO.
Los ingredientes hay los tienes. pero piensa que un cocinero puede hacer un plato que le guste a mucha gente, o puede hacer uno que no se lo coma ni el.

Disfrutad de vuestra musica favorita.

miércoles, 3 de abril de 2013

La Práctica del Instrumento


Cuando empiezas a tocar un instrumento te sientes como se suele decir "Como un pulpo en un garaje", no sólo tus dedos no hacen lo que tú quieres, sino que además no sabes lo que tienen que hacer para que suene esa idea que llevas en la cabeza. Empiezas a pensar ... "no puede ser tan difícil, total ves tocar a otros y parece fácil, incluso parece que no se esfuerzan y se lo pasan bien".
ERROR!
El aprender a tocar un instrumento requiere mucho (MUCHO) esfuerzo y dedicación, así como gran cantidad de estudio. Cuando empiezas, la impaciencia que tienes por empezar a hacer algo que parezca una canción o tocar alguna canción conocida hace que la mayoría de las personas que comienzan este duro camino aparquen el instrumento y se dediquen a otra cosa.
Al principio te encuentras con dos barreras, por un lado la fisiológica y por otro la de los conocimientos musicales. Cuando empiezas sueles comenzar de manera autodidacta, comprándote algún método o quedando con algún amigo que te empieza a enseñar algo. Está bien, pero si no sigues un método progresivo y con alguien que vigile tus progresos y tus fallos sólo llegarás a un punto en el que ya no avanzarás más; empezarás a repetirte y te estancarás.

La parte fisiológica no tiene ningún misterio. Sólo es cuestión de meterle horas. Como diría mi amigo José Luis Gabaldón (maestro del Sweet Picking) :"Un ejercicio que no te sale, lo repites y repites y cuando llevas 1000 veces te sale".
Esas cosas que vemos hacer a los grandes guitarristas requieren que tus músculos realicen una gimnasia repetitiva para que cada vez tus dedos tengan más precisión, más fuerza, y velocidad.

En una entrevista que le hicieron a Michael Lee Firkins le preguntaban que cuantas horas dedicaba al día para haber llegado al nivel que tenía, él respondió que cuando estaba aprendiendo tocaba una media de 12 horas al día, pero que cuando ya era profesional e iba de gira o dando las presentaciones que realizaba (fue durante un tiempo probador oficial de Yamaha en ferias), sólo con la hora u hora y media que duraba el show le servía para mantener su nivel.
Cada persona tiene que saber darse cuenta de sus limitaciones (fisicas y de tiempo) que tiene, y darse cuenta hasta donde puede llegar sin que suponga una obsesión o una decepción. A veces es mejor conformarse con un nivel más bajo y ser feliz y disfrutar durante muchos años de la música y del instrumento, que obsesionarse y ser una persona desesperada por no conseguir alcanzar ese sueño.
Es bueno tener un sueño y luchar por él y esforzarse pero cada persona tiene que saber hasta donde esta dispuesto a llegar y el precio que esta dispuesto a pagar. La decisión tiene que ser tuya y no dejarte influir por nadie, si no, te estarás arrepintiendo toda la vida.
El tema del estudio es parecido hay que conocer lo básico e ir avanzando y aprendiendo según tus espectativas y metas. Hay músico de fama mundial que tienen mucho menos nivel de dominio de un instrumento y sin embargo han obtenido un reconocimiento mucho mayor que otros que son unos virtuosos.
Yo hace muchos años que digo "Profesores de orquesta hay miles y miles, pero compositores de la talla de Mozart o Vivaldi hay muy pocos".
El dominar un instrumento no quiere decir que seas capaz de hacer buenas canciones, la música que sólo sale de la cabeza y no sale del corazón o la inspiración nunca llegará tan lejos; puede que te deje alucinado, que te quedes impresionado con esas acrobacias con un determinado instrumento pero eso no hará que esa canción sea una canción inmortal. Canciones de Elvis, Los Beatles o Nirvana, y tantos y tantos otros surgieron de la pasión y la inspiración y perdurarán para siempre entre nosotros.

En definitiva disfrutad de la música.