Actualizaciones Hard-Soft

"La Historia Interminable"

Esa frase resume lo que pasa con el tema de la informática, bien se podría decir también, "La pescadilla que se muerde la cola". 

Cuando en los años 80 comencé a estudiar informática y programación, me dí cuenta de que los programadores suelen dar por supuesto que los usuarios van a hacer las cosas que ellos quieren, pero esto no suele ser así, ya que somos personas y nos equivocamos, unas veces por despiste y otras por desconocimiento. Esto provocaba que muchos programas se bloqueasen o no hiciesen lo que uno quería ya que el programador no había supuesto una variable inesperada (como poner letras u otros signos en un campo numérico). Esto obligó a las compañías de software a publicar y sacar revisiones y correcciones a un programa con el fin de corregir fallos (bugs), esto se conoce como actualizaciones (updates en inglés). En una actualización menor, o en una revisión normalmente no te suelen cobrar, pero en una actualización mayor, que son en la que suele cambiar el primer nº de la versión sí. A estas también se las conoce como Upgrades , que son revisiones del programa en el que se incorporan nuevas funciones, mejoras en la interfaz gráfica e incluso sirven para aprovechar nuevas tecnologías que hayan salido desde la última versión. (Basta con ver el avance tan tremendo que hay en el tema de las tarjetas gráficas, en 3 meses una de última generación se queda obsoleta ante el anuncio de nuevos modelos con mejoras en el modelado, la velocidad de generación de polígonos , las sombras, luces, transparencias, HD, etc.)

Cuando me monté mi primer PC hace unos 15 años funcionaba con Windows 98 ME. Le puse la tarjeta Maxi Studio ISIS. Una tarjeta que venía con una caja externa de conexiones que funcionaba muy bien. 

Tenía 8 entradas analógicas, 4 salidas, entradas y salidas digitales y conexiones MIDI. Era muy completa y ya permitía el grabar 8 fuentes independientes a la vez, con lo que se podía grabar una batería en 8 pistas, o una grabación en vivo de todo el grupo en pistas independientes.

Entonces estaba trabajando con el Cubase VST 32 5.1 (Esta fue la última versión antes de sacar la línea SX). Esta versión era prácticamente igual en funcionamiento que la que llevaba años usando con el Mac, que era la Nº 2. Los archivos que tenía creados con el Macintosh podía abrirlos con esta versión de PC y después de ajustar los parámetros podía trabajar con las canciones, pero con toda la potencia de la nueva máquina y las prestaciones de la nueva versión del programa. El programa en Mac no tenía la capacidad de audio, y el cambio a la versión 5 fue espectacular, de repente podía tratar con audio digital y además utilizar la tecnología VST.

VST (Virtual Studio Technology) (Tecnología de Estudio Virtual), esta es una tecnología que inventaron los creadores del Cubase (Steinberg), que permitía instalar plug-ins (literalmente enchufables) que proporcionan aparatos virtuales que luego te salían en los menús del programa, controlandolo todo el propio programa.

Era como tener un estudio virtual dentro de un ordenador. Audio digital, procesamiento digital, mezcla automatizada, etc.

Todo esto requería mucha potencia de calculo para el procesador (en aquel entonces eran muy limitados en comparación con lo que hay hoy en día). Eso hizo que buscase una solución alternativa.

Me compré una tarjeta Creamware Pulsar de 6 procesadores. Esta es una tarjeta que utilizando la arquitectura VST permite el mandar todo el calculo y procesamiento a los procesadores de la tarjeta, dejando libre la potencia del procesador del ordenador para controlar, gestionar y direccionar los datos.

Con este sistema estuve funcionando un tiempo y pude hacer proyectos  de hasta 16 pistas con bastante soltura.

Como suele pasar con todo, en seguida te acostumbras al sonido y siempre estás buscando la manera de mejorarlo. Salió la versión SX del Cubase y era necesario-recomendable el actualizar a Windows 2000.

Sorpresa!! La ISIS era incompatible con la estructura del kernel del Windows 2000 (el kernel es el corazón de la estructura interna de un sistema operativo, y marca que hardware soporta y cual no).

Esto fue una putada, ya que tenía que cambiar la tarjeta que utilizaba para digitalizar y grabar el sonido, ya que no me funcionaba. Me tuve que comprar una Creamware Home, con 3 procesadores más y con salidas y entradas , además con la tarjeta ADAT proporciona hasta 16 canales más de entradas-salidas.

Con este equipo cambié de ordenador y de sistema. Estaba funcionando con Windows 2000 y un Pentium 4. Todo iba bastante bien pero, poco a poco los plug-ins virtuales VST fueron pasando de versión y necesitaban el Cubase SX y más adelante el Windows XP. 

Volví a cambiar a otro más moderno, porque se estropeó la placa base y monté otro con Windows XP.

Empezé a trabajar con Cubase SX 5 y era otro mundo. Las posibilidades parecían inagotables. Utilizaba el Cubase VST 32 v.5 para pasar los archivos de las canciones viejas al formato de PC, luego los importaba con Cubase SX v.2 para pasarlos al tipo de canción nuevos, y luego los abría y trabajaba con la versión SX 5 que soporta la versión 3 de los plug-ins VST.

Conforme vas utilizando nuevas versiones de aparatos virtuales y vas mejorando tu estilo de producción, cada vez necesitas más y más potencia de procesador, más memoria para poder cargar los plugins en memoria, etc.

Los proyectos que realizo ahora suelen estar al 80% de la capacidad de proceso de la CPU, con lo que a veces se producen picos que provocan ruido y tienes que volver a mezclar o grabar lo que estabas haciendo.

Cuando empiezas a mezclar te parece que con 2 ó 3 efectos tienes suficiente para realizar una buena demo, pero cuando quieres hacer una producción de más calidad , te das cuenta de que hace falta mucha más cantidad de procesamiento. Por ejemplo antes utilizaba 2 tipos de Reverberación (una larga y otra corta) y con eso mezclaba las canciones; ahora sólo para la caja utilizo 3 tipos de reverb (2 de ellas Lexicon), para darle profundidad  y espacialidad.

Así que ahora estamos en el momento que se repite la historia, dado que el sistema operativo de 32 bits tiene una limitación de asignación de memoria por programa de 2 Gigas (la batería virtual que utilizo Superior Drummer ya utiliza un Giga solo para ella), la única solución es montarme otro ordenador con arquitectura de 64 Bits. Mucha RAM etc.

Por lo tanto ahora me estoy preparando para un nuevo equipo con Windows 7 64 Bits , con lo que otra vez a empezar el rollo de actualizaciones y demás, ya que hay cosas que solo van a 32 Bits.

Lo que podríamos decir "el cuento de nunca acabar"

Un saludo y hasta la próxima y pasar unas felices Navidades con los amigos y seres queridos, y que el año próximo valla mejor que este.

El orden de los efectos

Seguro que todos os acordáis  de cuando estudiábamos matemáticas, de esas normas que decían que el orden de los factores (en una multiplicación), o el de los sumandos (en una suma) no alteraba el resultado, pues bien eso vale para las matemáticas pero no para el audio.

Cuando estás trabajando con audio el orden en el que encadenas los aparatos o efectos, varía considerablemente el sonido que obtienes al final. 

Hay una manera lógica de poner las cosas para limpiar, controlar y manejar el audio, y luego está la manera creativa o experimental cuando buscamos un resultado específico que no es el que habitualmente se espera.

Por un lado tenemos los efectos que controlan el volumen como los compresores y los limitadores; luego los que limpian ruidos como los filtros y las puertas; y por ultimo tenemos los que nos alargan la duración de la señal original como la reverberación y los delays y ecos.

Cuando utilizas efectos de modulación como los chorus, flagers y phasers, por esa propia modulación que lleva el efecto produce una variación de volumen. Si le ponemos un compresor delante conseguiremos un efecto más fuerte (al tener más sustain la señal de entrada), pero no controlaremos el volumen del efecto y oscilará subiendo y bajando; pero si ponemos el compresor detrás de ellos, controlará el volumen y obtendremos una señal constante con todo el efecto oyéndose por igual.

Si utilizamos un ecualizador, pasa algo parecido con la compresión. Supongamos que subimos mucho unas frecuencias y bajamos mucho otras, en este caso si ponemos el compresor delante, no controlará el nivel de las frecuencias y al subir mucho algunas nos podrá producir distorsión o saturación por sobrecargar la señal, pero si lo ponemos detrás de la ecualización, el compresor controlará el exceso de ganancia, bajando todo en general y no producirá distorsión.

Si tenemos la ecualización y  la distorsión, varía mucho el resultado de poner uno u otro delante. Si pones el primero la ecualización, al aplicarle la distorsión detrás el resultado es más sutil que si pones primero la distorsión. Al poner la ecualización detrás, el ecualizador controla el color de la distorsión y la puede cambiar completamente. Si a todo esto le sumamos el compresor ya empezamos a obtener varias combinaciones.

Cuando utilizas dos distorsiones pasa algo parecido al caso de distorsión-ecualización, varía mucho de poner una u otra delante, ya que si pones una apagada al final obtendrás un resultado más oscuro, y si la última es más brillante el resultado será más agudo. A parte de que cuando utilizas dos distorsiones se empiezan a multiplicar-sumar los armónicos que producen cada una y de dos distorsiones que sueltas son un poco oscuras se obtiene un sonido final brillante y agudo.

Cuando vas a utilizar efectos como reverberación o retardos-delays tienes que poner una puerta de ruido delante de ellos para que suenen con claridad y limpios; ya que si la pusieseis detrás, la propia puerta cerraría y cortaría el efecto que queremos poner. Existen casos en los que precisamente es lo que queremos, como cuando tienes el sonido de una caja que quieres que suene como si está en una habitación grande, pero no quieres que suene la reverb después del sonido, esto es lo que se conoce como gated reverb y gated drums, esto fue uno de los inventos de Phil Collins que producía un sonido característico de su batería cuando estaba con Genesis.

Lo normal en una cadena de audio con muchos efectos sería algo así:

1. Efectos de modulación.
2. Distorsiones.
3. Primera Ecualización.
4. Compresores.
5. Segunda Ecualización.
6. Puerta de Ruido - Filtros.
7. Ecos - Delays.
8. Reverberación.

Hay ciertos pasos que pueden variar, según los gustos o las necesidades de cada uno.

Por ejemplo: Se comentaba que Gary Moore solía utilizar un sistema de 2 compresores para conseguir ese super sustain que tenía en su etapa de Blues.

Bueno espero que os haya resultado interesante y curioso el tema. Hasta la próxima.

Los efectos Psicoacústicos

La Psicoacústica es una rama de la Física que: "Estudia la relación entre las propiedades físicas del sonido y la interpretación que hace de ellas el cerebro". Esto quiere decir que los sonidos tienen unas propiedades especiales que nosotros percibimos y procesamos de una manera peculiar. Nuestro aparato auditivo (combinado con la interpretación que hace el cerebro de la información que le proporciona), responde de diferente manera a los estímulos recibidos.
No percibimos con la misma intensidad todas las frecuencias, aparte que no afectan al entorno todas de la misma manera. Pongamos por un ejemplo: Cuando tienes un bafle o altavoz pequeño y se pone un obstáculo delante tapando el altavoz, nos damos cuenta de que las frecuencias agudas casi no se oyen, pero las graves apenas se ven afectadas, ya que al oscilar a una frecuencia de Hz menor, rodean al obstáculo y las seguimos captando. De ahí que no tenga una importancia directa donde se pone un sub-wofer en un salón, ya que vamos a oír igual los graves.
Al oír una canción somos capaces de distinguir los instrumentos que hay en ella, cuantos y cuales son, por donde sale el sonido (izquierda, derecha o centro), diferencia de volumen entre ellos, tono de un determinado elemento y un montón más de detalles que al principio no apreciamos. (De ahí que cuando escuchamos repetidamente discos como "Wish you Were Here" de Pink Floyd, vamos descubriendo detalles e instrumentos en los que al principio no habíamos reparado en ellos).

Con el estudio de la Psicoacústica se fabricaron una serie de aparatos, que se podrían incluir en la categoría de Excitadores, que normalmente se suelen utilizar en el proceso final de la creación de un CD que es la Masterización.
Realmente son pocas marcas y pocos aparatos dignos de mención, así que los voy a comentar uno a uno.

El BBE 882

El BBE "Sonic Maximizer" fue un aparato muy popular en los 90 se usaba principalmente en mezcla al masterizar, pero también hubo muchos guitarristas de prestigio que lo incorporaron a sus racks, podríamos decir que es de (como todos los excitadores) un efecto "invisible", o sea que no lo percibes, pero que si no está el sonido parece que se empobrece. Hacía que una guitarra sonase con más cuerpo y tuviese a la vez más definición en agudos. Por ejemplo lo llevaban los 2 guitarras de Skid Row, y según palabras textuales de ellos en un "Guitar Player" decían: "... No se lo que hace exactamente, pero una vez lo enciendes nunca más vas a querer quitarlo...".

Aquí lo tenemos en medio de un Rack de guitarra con un Previo Mesa Boogie y una etapa de potencia Marshall.

El Aphex Aural Exciter

Este aparato (en sus diferentes revisiones a lo largo de los años) se ha utilizado en estudios para darle más claridad a una mezcla oscura, proporcionándole más definición. Básicamente trataba los harmónicos de una señal, excitándolos, haciendo que una mezcla o grabación tuviese más presencia. (Más brillantez en los agudos).

El SPL Vitalizer

Como se suele decir, "Lo mejor para el final". Este juguetito en apariencia simple es capaz de hacer una magia que hay que oírlo para creerlo. Es capaz de una mezcla o grabación vieja y oscura en la que no se oyen los platos , etc. darle una claridad como si de un CD se tratara. Yo lo he visto en funcionamiento con una cinta de cassette grabada, ponerle el Vitalizer y de repente parecía que estabas escuchando un CD, sonaba más fuerte, con más definición , más agudos, más cuerpo en los graves y sin embargo no se oía el "soplido" de la cinta, vamos que hace algo que no sabes como lo hace. Esto es un imprescindible (o su plug-in virtual) para cualquier estudio medianamente decente.


Bueno hasta la próxima.

P.D. : Por cierto podéis hacer clic en la mayoría de las imágenes que pongo en el blog y las podréis ver a mayor resolución.

Los Efectos de Audio

Un efecto de audio es cualquier aparato que realiza un tratamiento sobre una señal o fuente de audio y la modifica de alguna manera. En unas ocasiones es un tratamiento sutil para corregir algún defecto o ajustar algún aspecto del sonido original. Otras veces se trata de una transformación total produciendo un sonido completamente nuevo que no tiene nada que ver con el original.

Los efectos los podríamos agrupar en varios grupos o categorías dependiendo de la función que realizan. Podríamos decir que hay unos "invisibles" (o inaudibles), para el oído no entrenado, ya que no parece que se note lo que hacen; mientras que otros son altamente reconocibles o "visibles".

Dinámica. Es la diferencia de volumen que tiene una fuente de sonido entre su parte más baja y su parte más alta. Para controlar esto se utilizan los Levelers que actúan nivelando una determinada señal para intentar que el volumen se mantenga constante. Los Compresores actúan comprimiendo una señal, dependiendo de los parámetros que le pongamos,  recortan los picos de volumen y producen que la señal se oiga más constante, si se ajustan mal puede producir un efecto negativo que se conoce como "bombeo", que es cuando recorta los picos iniciales y al subir el volumen de lo que viene después suena más que el primer pico inicial de sonido. Los Limitadores, básicamente son compresores, pero el ajuste que tiene de la relación de compresión es de "infinito a 1", es decir si ponemos el nivel a -1 db , recortará como si fuera un cuchillo todos los sonidos que excedan ese nivel.
Este tipo  de efectos son de los que no se notan si están bien ajustados, pero que si no los usas se empobrece grandemente la calidad del sonido, ya que los instrumentos oscilan grandemente, siendo imposible ajustar la mezcla y que se oigan todos a la vez.

Ecualización. Son los que transforman una señal filtrando o atenuando unas frecuencias, o todo lo contrario realzando o subiendo otras. Si lo usas en un instrumento solo puedes variar el carácter de dicho instrumento haciendo que parezca otro completamente diferente, pero como el oyente no lo sabe podríamos decir que también puede pasar por invisible, ya que no sabes si es el sonido original o lo has modificado. Filtro pasa Bajos es un filtro que se utiliza para recortar las frecuencias de agudos; por ejemplo en un elemento de la batería que produce un sonido metálico demasiado brillante, podemos ponerle un filtro para recortar los agudos y veremos como deja de interferir con otros elementos de la mezcla encajando todo más fácilmente. Filtro pasa Altos produce el efecto contrario es decir, recortar los grabes, si por ejemplo tenemos las guitarras con muchos grabes y no conseguimos hacer que suenen claras con el bajo, le ponemos el filtro y sonará más claro la parte de los grabes. Gráfico pueden ser de diferentes cantidades de cortes, pueden hacer una corrección sutil que apenas se note o una ecualización salvaje que modifique el sonido que no reconozcamos el original, un ejemplo es cuando oímos algo con el "clásico" sonido de teléfono o de radio antigua, es cualquier fuente de sonido a la que le aplicamos una reducción fuerte de grabes  y agudos con un ecualizador.  Paramétricos. Son ecualizadores de pocos cortes, pero que se les puede variar la frecuencia de actuación y el ancho de frecuencias. Puede producir resultados imposibles de conseguir con otros medios. Muchos guitarristas los utilizan (principalmente en estudio) para eliminar el sonido del roce de los dedos con las cuerdas y a veces el sonido del toque de la púa, de esta manera ganan en calidad y el público suele decir eso de "¿Pero como lo hace?, ¡Que bien que suena!"

Modulación. Son todos los tipos de efectos que transforman el sonido produciendo un desfase o retardo de la señal original, mezclándolos a una determinada velocidad (rate). Son efectos como el Chorus que simula que hay más de un instrumento a la vez. El Phaser o el Flanger, se utilizaron ampliamente en los 70 y los 80 y se puso de moda en los discos de Rock de meterlos en la mezcla a toda la canción, y producía el efecto de como si estuviese despegando un reactor, principalmente por la batería.

Retardo. Podemos incluir las Reverbs (reverberación), que da profundidad al sonido haciendo que parezca que el sonido se produzca en un espacio diferente o en una sala más grande. Ecos y Delays dependiendo del retardo que producen con el sonido original se incluyen en uno o en otro. A más retardo es Eco, a menos retardo Delay.

Este es el famoso TC Electronic 2290. Es el causante del famoso sonido de guitarra de David Gilmour en su canción del álbum The Wall, "Another Brick in The Wall" y ya sabéis el éxito que tuvieron con ese single.

Pitch Sifters. También se les llama Harmonizadores , se les puede programar la escala en la que se está tocando, haciendo que si tocas una melodía, el aparato nos hará las otras partes como si de otros instrumentos se tratara. El instrumento rey de esta categoría es el Eventide en sus diversos modelos que han sacado a lo largo de los años.

Esta es la navaja suiza de Steve Vai para conseguir esos sonidos tan increíbles  y únicos.

Previos. Realmente no se suelen considerar efectos, pero en muchos casos son los responsables de esos sonidos de instrumentos con carácter que piensas que no llevan nada, pero que no hay manera de imitar incluso con el mismo ampli , la misma guitarra y el mismo micro. Ya que los de válvulas pueden proporcionar brillantez, carácter y presencia que de otra manera no se puede.

Bueno en próximos posts iré ampliando la información sobre alguna cosa.
Hasta la próxima.

La evolución de los ordenadores

En este post voy a tratar el tema de cómo los ordenadores han entrado en nuestras casas, como han ido mejorando y como nos han cambiado la manera de hacer las cosas; pero desde los modelos que yo he ido teniendo o manejando.

En el año 1982 salió el ZX Spectrum un ordenador de 8 bits con 16 kb de memoria (o 64 kb).

Era un ordenador con unas teclas blanditas de goma, yo lo conocí en el 83, pues se lo compró un compañero. Era muy limitado en colores, gráficos, velocidad y todo. Se tenía que conectar a un televisor convencional. Fue el primer ordenador doméstico que entró en los hogares. No había tan apenas programas para él, ya que no existían ni siquiera tiendas especializadas como ahora. Venía con un interprete de lenguaje BASIC y si querías guardar algo lo tenías que guardar en un soporte externo.

 

En el año 1987 salió el Commodore Amiga 500 , fue el primer ordenador que tuve. Tenía 1 mb (1 mega) de memoria RAM. Ya tenía una disquetera. No tenia disco duro. Por lo que no podías instalar nada, cada vez que arrancaba tenías que meterle los disquetes del programa que querías utilizar.

 



 

Aunque fue uno de los primeros ordenadores de 32 bits su bus de datos era de 16. Ya podía funcionar con un monitor dedicado y tenía muchas más posibilidades de ampliación. Se le podía ampliar memoria y a través de las conexiones externas se le podían conectar periféricos. Tuvo mucho auge en su momento ya que proporcionaba buenos gráficos de serie permitiendo ver fotografías a todo color y jugar a vistoso juegos con la misma calidad de las máquinas recreativas de la época.

Empezó a utilizarse por músicos, fotógrafos y demás personas creativas.

La interfaz visual del escritorio era muchísimo más vistosa y elegante que la de los PC's, ya que entonces estaban todavía por el MS DOS (el WINDOWS 3.11 no salió hasta 1992) y éste salió 5 años antes.

 

Hay un ordenador que merece la pena mencionar, el Atari ST. Salió al mercado en 1985, llevaba un procesador de 32 bits como el Amiga y los buses de 16 bits. Era muy parecido al Amiga, o mejor dicho el Amiga era parecido a él. Y éste si que tuvo una acogida en el ámbito de la música profesional, ya que por ejemplo Alan Parsons lo utilizaba con las versiones primeras de lo que luego sería el fabuloso Cubase para hacer esos discos tan estupendos.

 



 

 

 

Mi segundo ordenador fue un Macintosh LC tenía 4 megas de RAM  y tenía un disco duro de 40 megas. Ya se podía guardar e instalar los programas y los documentos en el ordenador. Era muy limitado en las cuestiones de audio pero tenía suficiente potencia para hacer un proyecto que fuera MIDI. Me compré el Cubase, que por aquel tiempo iba por la versión 2. Todavía no existía el protocolo VST, y por lo tanto no había posibilidad de grabar en audio. Utilizaba un sincronizador y al grabar una pista con código de tiempo, el ordenador se sincronizaba perfectamente al reproducir el audio grabado. Por decirlo de alguna manera, el ordenador era capaz de tocar en tiempo real todos los instrumentos MIDI en vivo, pero con la ventaja de que podías editar cualquier nota, su duración, su volumen, el sonido seleccionado (ver si una melodía o un arreglo podía quedar mejor con un piano o con violines etc.) y realizar toda la mezcla del MIDI automatizada.

 

 

Luego vino la revolución informática del Windows 95, 98, etc. Realmente lo único que hicieron, fue poner al alcance del gran público una informática a un precio asequible con unas prestaciones decentes. No inventaron nada nuevo, ya que Amiga y Macintosh tenían un entorno mejor y los Mac eran mucho más fáciles de manejar y más potentes, pero eran mucho más caros  y sólo en ciertos trabajos profesionales se utilizaban cotidianamente (fotografía y maquetación de prensa y revistas).

Estos fueron los PC's que todos conocemos, a partir del Pentium empezaron a tener potencia para mover audio, grabar CD's y luego DVD's. Con las tarjetas de sonido por todos conocidas como las Sound Blaster, teníamos audio con calidad de CD en nuestro ordenador. Los juegos ganaron en calidad y realismo, e incluso se podía empezar a reproducir video con una calidad razonable.

Luego salió el formato MP3 y eso si que nos cambió la vida. Ha habido un antes y un después. Con la salida de Napster y el acceso a Internet de prácticamente cualquier persona, luego vino AudioGalaxy y los programas de P2P, al aumentar las velocidades de conexión como han aumentado, se empezó a aumentar el tamaño o peso de los archivos que se mueven por la Red con lo que la calidad ha mejorado tanto que se ha hundido la industria discográfica. Obligándolas a  poner unos precios más razonables a los CD's de música y a las películas DVD.

 

Hoy en día es normal tener ordenadores con Gigas de memoria y un Tera (1024 Gigas) de disco duro en los que puedes tener 10.000 discos en MP3  o más de 1000 películas en buena calidad. Con una velocidad que te permite editar audio a 24 Bits con proyectos de más de 30 pistas, reproducir instrumentos virtuales, con calidad que sólo comparándolos con el original podrías notar las diferencias. Es decir con un presupuesto informático de entre 4.000 y 6.000 € tienes más potencia y prestaciones que en los 90 con 200.000 €.

 

El ordenador ideal para audio y música hoy sería un ordenador con 16 Gb de RAM (o más), sistema operativo de 64 Bits (Windows 7 64 Bits, MAC OS X), procesador multinúcleo Intel I7 o Xenón, disco duro para el sistema de unos 500 Gb o más y otro para el audio solamente. Yo para el audio tengo uno SSD (disco de memoria sólida), de esta manera al no tener piezas móviles no sufre desgaste, ya que los normales a los 5 años me solían dar problemas.

Como tarjeta de Audio (que no son las de sonido normales) necesitas una profesional como mínimo de 24 Bits y que tenga entradas-salidas como necesites para hacer tu proyecto. Aparte vas a necesitar una mesa de mezclas a ser posible digital o como mínimo con interface digital y unos monitores de audio profesionales de respuesta plana ( es decir que suenen todas las frecuencias por igual, sin colorear el sonido).

Y luego toneladas de software.

 

 

Bueno en 30 años hemos pasado de unos ordenadores que casi no valían como máquina de escribir a otros en los que parece que podemos hacer cualquier cosa. ¿ Que nos deparará el futuro?

 

Bueno disfrutad de aquello que os haga sentir bien y no haga daño a los demás.







La medida del tiempo

La música es un arte que tiene mucho que ver con las matemáticas, y en el que es fundamental la medida precisa de la duración de las notas y de los silencios.

Todos en mayor o menor medida tenemos un cierto sentido o percepción del ritmo de una canción cuando la oímos, de una manera natural y sin darnos cuenta, solemos mover el pie o dar palmadas con una mano cuando estamos disfrutando de una melodía que nos gusta. Esto es una buena señal, ya que indica que tenemos sentido del ritmo y que somos capaces de captar el pulso de una canción.

Cuando queremos comenzar a aprender a tocar un instrumento, nos encontramos con la dificultad de que como nuestros dedos no saben hacer los movimientos que queremos de una manera natural. Nos cuesta mucho esfuerzo y no podemos mantener el ritmo del ejercicio que estamos haciendo, con lo que el resultado que obtenemos suele ser desesperanzador, provocando que muchas personas sin paciencia abandonen la práctica del instrumento.

En una primera etapa necesitamos realizar ejercicios de dedos, que son sólo combinaciones de movimientos, cuya única finalidad es la de que vayan cogiendo fuerza, precisión y velocidad.

En una segunda etapa, en la que ya conocemos varios ejercicios, escalas e incluso algún fragmento de alguna canción, es cuando comenzamos a pelearnos con una máquina que es el metrónomo .

Este aparato es, desde hace muchos años, la herramienta que se utiliza en la formación clásica para medir y controlar el tiempo. Como el de la foto va a cuerda, como un reloj, y según pongamos la pesa que lleva la barra, irá más deprisa, o más despacio. Además tienen la opción de que suene una campanilla para que nos marque el inicio del primer tiempo de compás. Es decir en un 4/4 (4 por 4) sonarán 3 tac-tac y una campanilla en el primero.

Con el avance de la tecnología moderna también llegó la electrónica a los metrónomos.

Con estos aparatos se ha conseguido una precisión aún mayor y más prestaciones a la hora de medir el tiempo. La medida del tiempo, tempo o velocidad se mide en una expresión que se llama BPM (Bits Por Minuto). Esta medida quiere decir la cantidad de notas negras que entrarán en un minuto.

Gracias a estos aparatos se puede medir de una manera muy precisa el pulso de una canción. Y cuando tienes un cierto nivel, y compones algo te das cuenta que a la hora de medirlo la diferencia de 2 ó 3 puntos de metrónomo es crucial para que vayas a gusto o que tengas que ir forzado, intentando encajar tu composición con la medida del metrónomo, terminándose por perder la magia y el sentimiento que habías conseguido con el momento de inspiración. Incluso tienen la posibilidad de marcarte los tresillos (una figura musical de solfeo), que suelen ser muy difíciles a la hora de practicar y de medir.

En el conservatorio te enseñan a leer solfeo, lo que implica a interpretar una partitura y medir correctamente la duración de las notas. Se suele usar el metrónomo para realizar ejercicios y para practicar una partitura que no tenga cambio de compás o de tempo.

Cuando una pieza musical es rítmicamente más sofisticada y de mayor nivel, nos encontramos con cambios de compás, (es decir no transcurre toda la pieza desde el principio hasta el final con el mismo compás, 3/4, 4/4, 6/8, 5/4 etc...) o también con cambios de tempo. En estos casos un metrónomo es incapaz de marcarnos el compás. En la música clásica recae en el director de orquesta la tarea de marcar el tempo y tiene la responsabilidad de la correcta ejecución e interpretación de una partitura. De ahí que haya variaciones en una misma pieza dependiendo de que director y de que orquesta se trate.

En la música moderna no tenemos otra opción que la de trabajar con un ordenador, y gracias a un programa de secuenciación, poder programar en cada compás determinado cuando viene un cambio de tipo de compás y/o velocidad.

Cuando oigáis una pieza o canción con muchos cambios, velocidades y demás, pensad que ha habido mucho trabajo detrás para cuadrarlo y medirlo.

Aquí tenéis al grupo canadiense RUSH  los maestros absolutos del rock progresivo.

Disfrutad de vuestra música, que os acompañará siempre en los momentos importantes.

El ruido y la grabación

Estamos rodeados de aire y el aire es el medio por el que se transporta el sonido hasta nuestros oídos. El sonido también se transporta por un material sólido como las paredes, el suelo y todo el entorno que nos rodea, pero si no lo captamos con nuestros oídos lo percibimos como una vibración.
 Cuando nos ponemos a grabar un sonido en concreto de algo (la voz, un instrumento o un objeto que produce un sonido que queremos utilizar), nos damos cuenta al escuchar lo grabado, que aparecen ruidos que antes no percibíamos. Si estamos en un lugar sin un aislamiento acústico, vemos que nos salen un montón de sonidos del medio ambiente, que no nos habíamos percatado, y que no queríamos registrar.

Cuando escuchamos una grabación profesional, estamos acostumbrados a escuchar cada instrumento limpio, claro y sin ningún ruido extraño que enmarañe o enmascare ese elemento. Para conseguir esto es necesario aislar el proceso de grabación de cualquier sonido extraño que nos estropee nuestra interpretación.

Existen diferentes tipos de ruido, y tienen diferentes tipos de origen, y por lo tanto tienen diferentes tipos de solución. Unos se solucionan con una recolocación del equipo (la manera más barata), pero otros necesitan de aparatos específicos que suelen costar muchos euros.

Uno de los ruidos más común es el ZUMBIDO, normalmente se produce por una interferencia electromagnética, que suele tener el origen en un transformador, un monitor de ordenador de rayos catódicos (CRT) o un display LCD de algún aparato. Se suele reducir o incluso eliminar, si detectamos la fuente y nos alejamos de ella, o variamos el ángulo de orientación respecto de ella.
Las guitarras eléctricas son particularmente sensibles a este tipo de ruido, enseguida lo captan, pero es que además cuando tocas con una pastilla de simple bobinado, es la propia pastilla la que produce el zumbido, de hay que se haya popularizado tanto entre los músicos la combinación de 2 pastillas en la Fender Stratocaster, ya que es una manera natural de que se cancele el zumbido.
Para quitarlo por otros medios es necesario utilizar filtros. Un buen ejemplo de software es el plug-in de Waves X-Hum, yo  lo utilizo habitualmente cuando tengo que restaurar alguna grabación vieja que tiene este tipo de zumbido.

Otro ruido habitual es el SOPLIDO, este tipo  de ruido depende mucho de la propia fuente que produce el sonido que queremos grabar y su eliminación es diferente en cada caso. Si se produce cuando queremos grabar la voz de un cantante (cuando pronuncia las letras "P") o se oye mucho la respiración, se puede reducir bastante poniendo una pantalla, que filtra el aire y pone una distancia entre el micro y la boca del cantante.

 

 Si el soplido que queremos eliminar sólo lo percibimos cuando no tocamos, (como una guitarra con una distorsión muy potente) entonces necesitamos lo que se conoce como Puerta de Ruido (Noise Gate). Tenemos de dos tipos, de hardware o de software. Lo que la puerta de ruido hace es cerrar el paso del sonido o abrirlo, cuando esté entre unos niveles que nosotros fijemos. De esta manera no se oirá nada cuando no estemos tocando, y no se grabará ningún ruido. Se puede controlar el nivel a partir del que se abre, la velocidad con la que se abre y el tiempo que tarda en cerrarse. Dependiendo de lo que estemos grabando, necesitaremos que se cierre muy rápido si queremos cortar el sonido nada más que paremos (cortes de guitarra potentes), o que cierre despacio para que produzca una caída más natural (un solo de guitarra por ejemplo).

 

Este es el Drawmer ds201, esta es la puerta de ruido que utilizaba Steve Vai, que es la única capaz de abrir y cerrar en microsegundos.

 

La mejor opción es el aparato que combina los dos sistemas (filtros y puertas), ya que nos permite quitar soplidos (dependiente de la frecuencia) utilizando filtros, y a la vez abrir o cerrar (dependiendo del nivel).

Este es el Rocktron Hush II, ha sido ampliamente utilizado por los guitarristas y de hecho ofrece unos resultados estupendos. De hecho es el que utilizaba Frank Gambale  según sus propias palabras: "Un guitarrista que no produce ruido está a un nivel superior".

 

 

Bueno disfrutad de vuestra música favorita.